Tardé muchísimos meses en dedicar un segundo para googlear qué era “Wachiturros” (confieso que no sabía si era un payaso, un comic, o un programa de TV). Lo que encontré me recordó cientos de discusiones que mantuve desde mi adolescencia sobre la cuestión de la música popular. Hace no mucho tiempo dejé de discutir, dentro de lo posible, sobre los productos de la “industria” de la música (ya el hecho de denominarla de ese modo es un poco sospechosa), especialmente cuando me encuentro con interlocutores que plantean la cuestión del “gusto” como una especie de justificación indiscutible y absoluta con respecto a lo que cantan o bailan en un período de tiempo, que además suele durar algún que otro mes.

Es difícil encontrar interlocutores que se tomen en serio las expresiones artísticas y no las consideren un objeto funcional (es “para divertirse”, es “para una cena”, “es para”…). La música es un emergente cultural increíble y auténtico, hasta que es impuesto por la “industria”, pero además la sensibilidad que implica su percepción requiere de ciertas capacidades (que se pueden desarrollar) combinadas en la música popular generalmente con la “lírica”, las letras.

Si uno recuerda a las murgas que a fuerza de baile y puro ritmo exigían y mostraban problemas sociales, del mismo modo que el tango hablándonos frecuentemente en un tono costumbrista sobre los personajes del barrio, la vieja o la percanta, es sencillo construir un paisaje mental sobre todo eso. La música popular además es empática, es eco emergente de algo que está flotando “en la calle”. Así, el “rock nacional”, esa suerte de síntesis entre lo social, lo costumbrista y los eternos amores que se expresaban con fuertes influencias externas pero adaptadas al sonido y ritmo rioplatense, tomó la posta de la riquísima música de estas tierras. Y esto sin mencionar expresiones del interior como las copleras que desde su fortaleza femenina no callaron sus intereses y sufrimientos.

En resumen: de uno u otro modo expresiones tan distintas hacen florecer cuestiones por un lado relevantes y por el otro trascendentes.

No es extraño en algunos sectores tercerizar la decoración tampoco. Así muchas obras plásticas se convierten también en objetos funcionales cuyo único valor es el de ser “armoniosos” con el ambiente, y no valiosos desde su técnica o mensaje. Toda la expresión artística se fue rebajando a lo funcional, y a que moleste intelectualmente lo menos posible, cosa que en la música se verificó en el show (sorprende más el espectáculo que el contenido, bandas hoy mediocres como U2 son valoradas por sus puestas en escena y poco analizadas musicalmente).

Logramos que el arte sea un bien de consumo como un cartón de leche (cuyo consumo tampoco es racional). No encuentro otra explicación a la masificación de los Wachiturros, acompañados de otros fenómenos pop sin ninguna trascendencia, caso Shakira o cualquiera de los melódicos latinos (Arjonas, Montaneres y tantos otros lejos del Cono Sur) que venden más por su aspecto (además la industria se ocupa de insistir en sus categorías estéticas) que por su valor musical.

Nos embrutecimos artísticamente. No pretendemos más que refugiarnos en “me gusta y punto” por lo que no hay conversación posible. No percibimos el mecanismo achatador de la industria. Y lo peor de todo: no nos preocupa.

Mientras pasaron los años en los que intenté dejar de discutir, también puse un umbral muy íntimo: no voy a escuchar a quien no tenga nada que decir. Y quedaron tantos fuera….

Los nuevos medios son soporte, distribuidores, plataformas y tantas otras cosas imaginadas y por imaginar en cuanto a la producción artística, su consumo, y distribución.

Los medios tradicionales han cambiado mucho, tanto que lo único que tienen en común con los nuevos es la idea de “soporte” o “registro”. Todo lo demás son nuevas formas de relación con el arte.

Pero si además se agrega el factor del oportunismo político, todo comienza a tener su olor nauseabundo. Lo peor de todo, es que sus decisiones políticas luego se convierten en norma y por lo tanto el no cumplimiento de las mismas nos convertiría en delincuentes.

No al canon, a una forma de recaudación absurda que tiene todas en contra, y la peor: no estar a la altura de este tiempo.

Ver el blog de No al canon.

Un post sin mayores comentarios más que el haberme quedado con muchas ganas de ir a ver el espectáculo en Buenos Aires de Laurie Anderson. Es una artista de las que entran en la categoría “multimedia”, o al menos “multimedia escénica” como me gusta llamarlo a mí, y que conocí por primera vez a través de su obra BigScience, hoy en re-edición. Homeland es una batería de preguntas sobre la política de los Estados Unidos, cosa que ya ha hecho antes, y no parece ser muy original desde la perspectiva de tantos otros que critican la forma en la que Estados Unidos participa de ellas. Donde Laurie Anderson es realmente original es en ser única desde el punto de vista artístico, por su diversidad y también por el tipo de expresión, en contraste con su pareja Lou Reed. No tener tan en cuenta al pop y sobre el que logra trascender sin permitir a quienes alguna vez participamos de sus obras (en sentido amplio, nunca trabajé con Laurie) dejar de emitir opinión. La diferenciación entre el artista tal como en ella sobrevive, y aquello que habita a los medios masivos, es tajante. En una entrevista publicada por La Nación mencionó algo sobre lo que no podría estar tan de acuerdo: “lo único que no me gustan son los musicales de Broadway”, y coincido plenamente.

No es nueva la idea de que los músicos deben hacer música. Ya no es nuevo que el show business es una gran industria hoy parte del llamado entertainment
(y me disculpo frente a los amantes del under, del académico y del arte que escapa a esto). Tampoco es nuevo que entre las distintas expresiones populares, y vaya si el rock (¿o los rocks?) lo es, muchas funcionan como una tremenda maquinaria conectada a la devoción construida de segmentos de mercados diseñados por “productores” y en el caso de la música por las famosísimas “discográficas”.

Lejos de hacer una valoración acerca de las seguramente profundas razones sociales que hacen que esta maquinaria de idolatría berreta funcione, hay mucho muy bueno. Entre estos distintos rocks (porque desde lejos se los llama a todos rock, pero hay una diversidad inmensa) la mejor escuela es Inglaterra y en algunos casos Estados Unidos (por supuesto que comparto la originalidad del Rock Nacional – argentino – y concuerdo con la lectura histórica de la continuación del tango).

Radiohead es una de las primeras bandas inglesas que comenzó a distribuir en forma gratuita álbumes y temas. Antes ya lo habeia hecho David Bowie y otros artistas. Lo último que leí en varios blogs fue que la banda de origen industrial Nine inch Nails (NIN) hizo lo mismo, aunque creó diferentes cortes de su obra instrumental Ghosts desde la gratuita hasta la deluxe, entre USD 0 y USD 300. Vale la pena escucharlo, y también pensarlo con el libro Free Culture de Lessig en mano en momentos donde en Argentina se discute políticamente el canon… de ahí las repercusiones: no al canon, no al canon, no al canon, no al canon, no al canon, no al canon, no al canon, entre miles y miles y miles…

Sólo para pensar unos minutos

http://www.defectivebydesign.com/

El DRM (Digital Rights Management) es el conjunto de sistemas de delivery de audio, video y documentos con control de derechos de autor. Esto incluye protección contra copia, etc.

Defective by Design es una de las organizaciones más opositoras, y por la positiva la Electronic Frontier Foundation, entre muchas otras. Si bien no es un tema nuevo, es para pensar porque verdaderamente cambia toda la lógica del sistema de protección y de derechos al que estamos acostumbrados.

Uno de los punto álgidos es la discusión acerca de cuál es el objeto de protección. Como ejemplo clásico: se protege el libro cuando en verdad lo que hay que proteger es la obra, que es intangible y en principio independiente del libro como objeto material.

Por supuesto esto llevado a un plano más conceptual y no solo de distribución genera otro tipo de modelos tal como propone Lessig con su Free Culture.

Si Philip Morris tuvo que pasar a tener un mix de inversiones en el espectáculo porque el negocio del tabaco pasó de moda, en algún momento pasará algo similar con las discográficas. Digamos que son los siempre-presentes-jamás-creadores-intermediarios entre los artistas y el público. El argumento del público “eligiendo libremente” es bastante poco plausible.

Si lo ponemos en términos de “drivers”, o sea: qué factor es el que origina que un proceso se produzca y que sin él el proceso no se produce; en algún momento el artista “propuso” y el público aceptó. Hoy el intermediario es el que crea lo que el público debe aceptar, y por lo tanto, quiénes son y qué deben hacer los artistas. ¿O nadie analizó cómo apareció y cuál es la dinámica de la cumbia, por ejemplo? (me refiero a esta).

Traje este recuerdo a partir de Maas en su nota “Internet y la música: Elton John vs. Prince“, y de Lucas en “Prince y la disrupción en el mercado de la música“. Más alla de la cuestión de derechos y de la lógica sobre qué hace o no un artista en Internet (cosa que el longevo Elton ya debería comprender) parece que terminará en algún momento como espero, y que estará más relacionado con el “free culture” (ver post: “Free Culture, tensiones y argumentos MUY válidos“).

Pero nada de esto es independiente de un deseo profundo: ojalá la desintermediación sirva para que artistas y público renueven su relación y que ninguna otra industrialización ridícula se vuelva a interponer.